Le rythm’n’blues, souvent abrégé en r&b ou r’n’b, est un genre musical populaire afro-américain, qui a commencé à se développer entre 1942 et 1945 aux États-Unis. Le terme rhythm’n’blues est utilisé pour la première fois en 1943, par les maisons de disques pour remplacer le terme « race music ». C’est un mariage du mot « rhythm », qui désigne un tempo accéléré, répétitif et syncopé, et de « blues », dont la charge historique émotionnelle et les structures musicales en sont fortement inspirées. On y retrouve également d’autres influences telles que le gospel, notamment avec le fameux effet de Call & Response, et le jazz. Avec l’appel au front de la guerre, les big band de Swing se sont transformés en petits groupes plus expérimentaux, presque toujours composés de guitare électrique, de piano et de saxophone. Grâce aux technologies comme la radio ou les jukebox, la musique rhythm’n’blues s’est rapidement répandue. Des figures emblématiques, telles que les artistes Louis Jordan, Ray Charles et Ruth Brown, aussi connue comme la Queen of R&B, sont souvent citées comme des pionniers et pionnières du genre.

Le terme rhythm’n’blues a plusieurs interprétations. Parfois utilisé pour faire référence à la musique faite par et pour les noir·es américain·es, il est par moment employé comme synonyme du jump blues, et d’autres fois encore, désigne un style musical bien distinct, avec des influences gospel marquées et des paroles moins osées, humoristiques ou provocantes que le jump blues.

Au fil des années, le rhythm’n’blues va connaître un certain nombre de changements. Dans les années 50, il devient un moyen de militer politiquement pour les droits des communautés afro-américaines. Puis, ayant contribué au développement du rock’n’roll, vers 1960 plusieurs groupes britanniques tels que les Rolling Stones, The Who ou The Animals sont qualifiés de groupes de r&b et promus comme tels. En 1970, le terme désigne davantage la soul et le funk, puis à la fin des années 1980, le r&b se combine avec des éléments de pop, de soul, de funk, de disco, de hip-hop et de musique électronique. Des groupes tels que Kool and the Gang et Earth, Wind and Fire, ou des artistes comme Aretha Franklin, alias The Queen of Soul, sont des figures majeures de cette période en évolution.

Le swing est apparu au début des années 1920 et s’inspire du blues, du ragtime et du jazz. C’est une nouvelle ère : celle des big bands et de l‘improvisation, aussi bien des chanteur·euses que des musicien·nes. On accentue les rythmes, on joue avec les contre-temps.

Des salles de bal se mettent à émerger un peu partout pour accueillir ces gros groupes. Malgré la ségrégation, certains de ces lieux sont ouverts à tout le monde, peu importe la couleur de peau, à commencer par le Savoy Ballroom en 1926. On y retrouve des musiciens et des musiciennes comme Duke Ellington, Count Basie, Louis Armstrong, Benny Goodman ou encore Chick Webb, accompagné de l’inimitable Ella Fitzgerald.

Connue sous le nom de jitterbug, swing ou lindy, le lindy hop est avant tout une danse de rue, développée au sein de la communauté noire américaine, dans les années 1920, à New York. C’est un mélange de charleston, breakaway, claquettes, solo jazz et danses africaines. On y retrouve également le concept des Jam, emprunté au cake walk. Elle se danse principalement en 8 temps, en couple ou en solo, avec un rebond plutôt ancré dans le sol auquel on incorpore des routines, des acrobaties et de l’improvisation.

Le lindy hop fait son apparition au Savoy en 1928 avec des danseurs et danseuses tel/telles que Dean Collins, ‘Shorty’ George Snowden, Frankie Manning et les Whitey’s Lindy Hoppers. Grâce au développement des salons internationaux et des expositions universelles, cette danse se répand ainsi en Europe en parallèle.

La création de la musique rockabilly vient d’un mélange entre le country-boogie, le rhythm’n’blues afro-américain et le hillbilly, musique country blanche du Sud des États-Unis. Émergeant dans les années 1950, ce genre musical est imprégné par le sentiment de libération et de joie post-guerre et donnera plus tard naissance à la musique rock’n’roll. Le rockabilly s’en différencie cependant, par l’emploi d’un instrument : la contrebasse. Le claquement de cordes de cette dernière, accompagné généralement d’une guitare électrique distorsionnée et d’une voix légèrement country, rendent ce genre assez reconnaissable. Malgré une volonté de rébellion, le rockabilly reste une musique pop de culture catholiques blanche. On voit donc apparaitre certaines reprises de jump blues ou r&b dont les paroles ont été modifié pour être moins provocantes. Parmi les figures phares de ce genre, on retrouve Elvis Presley, surnommé le King of rock’n’roll, Carl Perkins ou encore Jerry Lee Lewis.

Le rockabilly s’est également développé en Angleterre, influencé vestimentairement par les Teddy Boy. Issus de la mode édouardienne et destiné aux personnes aisées en 1900, ce style est ensuite récupéré par les jeunes de la classe ouvrière qui écoutent du rockabilly. L’utilisation d’instruments électriques ayant révolutionné le monde de la musique et réduit la taille des bands, on voit se développer des groupes dit “de garage” un peu partout.

La danse rockabilly jive naît, quant à elle, de la fusion entre la danse rock’n’roll et le lindy hop, également dans les années 1950. Originellement du Sud des États-Unis, elle se développe lorsque les soldats américains l’exportent en Europe, durant la Seconde Guerre mondiale. C’est une danse en couple, dynamique et rotative, en 4 temps. Elle a la particularité de ne pas se danser en miroir, contrairement à beaucoup d’autres danses. Les deux partenaires ne font pas les mêmes pas mais sont malgré tout connectés par un rebond marqué et énergique.

Sa musique de prédilection est bien évidemment le rockabilly, mais cette danse s’adapte également très bien, au rock’n’roll et au rhythm’n’blues.